Interview – John Pearson

Deuxième étape de notre découverte de l’équipe créative de Blue in green : rencontre avec le britannique John Pearson, artiste aux multiples facettes !

For English speakers, please find lower the interview in its original version.


Quel a été votre parcours pour devenir artiste ?

J’ai toujours dessiné dès mon plus jeune âge. C’était quelque chose que j’aimais faire, et il me semblait avoir une certaine capacité créative naturelle. J’ai fini par étudier les beaux-arts à l’université, m’étant intéressé aux idées de communication expressive et des approches de pratiques créatives divergentes. Cette expérience universitaire a fini par être ma principale pierre d’achoppement. Cependant, je m’y étais lancé avec une grande passion pour l’expression créative et j’en suis ressorti complètement désillusionné, ce qui m’a amené à ne rien créer pendant un certain nombre d’années. Ce n’est qu’à la fin de la vingtaine que j’ai commencé à revisiter le dessin, en me souvenant de l’amour que j’en avais dans mon enfance, ce qui m’a amené à suivre une voie plus proche de l’illustration que des Beaux-Arts. J’ai commencé à faire des illustrations à côté de mon travail de jour, le soir et le week-end, jusqu’à ce que le travail d’illustration devienne le travail de jour lui-même.

Au cours des dix dernières années, cet intérêt initial pour les pratiques créatives divergentes et la communication expressive est revenu comme l’une des principales orientations de mon travail. Je suis maintenant dans une situation où ma production créative traverse de nombreux domaines différents, y compris la bande dessinée, l’illustration, les peintures murales, l’art vivant, les événements et l’éducation, ce qui me permet de pousser et de tirer des idées de différents endroits.

 

Comics

Avez-vous lu des comics quand vous étiez jeune ?

J’ai deux frères plus âgés, donc il y avait souvent des BD d’une forme ou d’une autre autour de moi en grandissant. Quand j’étais très jeune, il n’y avait que des publications de DC Thomson, nous avions des abonnements hebdomadaires à The Beano et The Dandy, ainsi que des exemplaires de Commando qui circulaient. Plus tard, j’ai lu les bandes dessinées Star Wars de mon frère, de Marvel UK. Je me souviens très bien d’avoir été hypnotisé par la couverture de l’annuel Return of the Jedi de Bill Sienkiewicz avant d’avoir la moindre idée de qui il était, ce que je trouve assez drôle maintenant avec le recul. C’est à l’âge de dix ans que j’ai récupéré mes premiers exemplaires de 2000 AD, juste avant Prog 900, et j’ai été époustouflé. J’étais à la fois fasciné et dégoûté, c’était l’une des choses les plus violentes et les plus sexualisées que mes jeunes yeux aient jamais vues, ce qui a eu un effet profond sur moi et sur mes goûts à une époque de formation. À partir de ce moment-là, je lisais autant de bandes dessinées que possible à la bibliothèque locale, plus c’était sombre, mieux c’était. J’ai lu beaucoup de bandes dessinées des années 90 sur les aliens, Dredd, Preacher, Lobo, Sandman… tout ce qui avait un semblant d’anti-héros ou de prise de position alternative sur ce que je pensais jusqu’alors que les bandes dessinées étaient.

 

Blood Moon

 

Comment en êtes-vous venu à travailler dans la bande dessinée ?

J’ai travaillé avec le scénariste Owen Michael Johnson sur la série Beast Wagon, que j’ai autoéditée. C’était la première fois que je faisais de la bande dessinée. Nous avons fait 6 numéros, ce qui a été la plus grande courbe d’apprentissage que j’aurais pu demander pour comprendre le métier de dessinateur de BD et trouver ma voix. Pendant cette période, j’ai aussi fini par faire un travail d’assistance artistique pour Martin Simmonds sur Death Sentence: London pour l’aider à accélérer son travail, ce qui m’a beaucoup appris. Voir quelqu’un comme Martin travailler, et le fait que je sois un facteur de ce processus sur Death Sentence, m’a donné beaucoup d’idées sur la façon d’aborder le médium avec des influences qui n’étaient pas nécessairement ce que beaucoup appelleraient la norme. Martin partage beaucoup de mes propres influences, et son approche est en constante évolution et va à l’encontre de ce qui peut être fait.
J’ai puiser dans cette influence et cette connaissance et j’ai commencé à travailler avec l’écrivain PM « Bucky » Buchan. Lui et Martin devaient sortir une série intitulée HERETICS through 44Flood / IDW, qui n’a malheureusement jamais vu le jour avant que Martin ne doive prendre du recul pour se concentrer sur d’autres projets. Nous avons essayé de faire en sorte que cela fonctionne, en me laissant prendre en charge les principales tâches artistiques, mais après de longs délais, le bateau avait déjà navigué pour IDW. C’est ainsi que Bucky et moi avons lancé notre projet d’horreur populaire contemporaine Blood Moon. Bucky voulait toujours explorer l’horreur folklorique, mais après Heretics, il voulait commencer quelque chose de nouveau. Nous avions fait une histoire courte pour Heavy Metal sur leur Megadeth : Death by Design, et cette même équipe créative composée de moi-même, Bucky, Aditya Bidikar (lettrage) et Hannah Means-Shannon (éditeur) a commencé à monter Blood Moon. Nous avons fait un tirage limité de la première partie de l’histoire, mais nous avons ensuite décidé de le publier en ligne sous forme de webcomic. Pour moi, c’était une excellente décision, qui nous a permis d’éliminer la pression et les frais généraux par rapport à l’auto-publication de numéros imprimés, et qui nous a apporté un élément de liberté créative qui nous a permis de tester quelques approches et idées différentes. Je pense que Ram a pris une copie de cette première avant-première au Thought Bubble Festival, et je me souviens qu’il a parlé un peu du projet qui allait devenir Blue in Green à l’époque. Ce n’est que quelques mois plus tard que j’ai été engagé comme coloriste.

Dream of time

Blue in Green

Comment en êtes-vous venu à travailler sur Blue in Green ?

J’ai fait une variante de la couverture de la série Paradiso de Ram chez Image, qui je crois a été notre première rencontre. Ram m’avait brièvement parlé de Blue in Green lorsque nous avons publié le numéro d’avant-première de Blood Moon, avec l’approche visuelle que je jouais en établissant quelques petits parallèles avec ce que Ram voulait réaliser avec Blue in Green. Ce n’est que quelques mois plus tard que Ram s’est à la recherche d’un coloriste, après avoir essayé quelques autres personnes qui ne semblaient pas s’adapter parfaitement à l’œuvre d’Anand.

Votre travail avec Anand RK est incroyable. Comment avez-vous travaillé ensemble ?

L’ensemble du livre est le fruit d’une collaboration entre nous tous. Ram a beaucoup dirigé l’équipe avec sa vision, et cette approche collaborative était imprégnée dans tout, surtout dans ce que je faisais avec Anand. Je recevais les pages encrées d’Anand, parlais à Ram des couleurs ainsi que de la narration et de l’ambiance de chaque page, puis je les renvoyais à Anand qui me donnait son avis, puis je finissais les pages. Je pense que l’élément principal qui a fait que ça marche entre moi et Anand est le fait que je ne suis pas un coloriste, je suis plus un peintre/artiste. L’approche du livre en termes d’art était beaucoup moins stylisée que ce que Anand et Ram ont fait sur Grafity’s Wall par exemple, et les couleurs devaient s’accorder avec le dessin plus expressif d’Anand. Anand et Ram ont tous deux travaillé dur pour se faire une idée précise non seulement de l’aspect, mais aussi de la sensation de chaque page, ce qui a rendu mon travail un peu plus structuré grâce à leur vision.

Techniquement, comment travaillez-vous pour le comics ?

Au sens large, c’est un mélange d’approches numériques et traditionnelles, et la frontière entre les deux est assez mince. Auparavant, je travaillais principalement en numérique mais j’essayais d’obtenir une approche analogique par le biais de scans et de superpositions, alors que maintenant je commence à changer de processus et à utiliser des techniques de peinture et de collage plus traditionnelles mélangées à des travaux numériques. Le travail numérique est superbe pour les flux de travail et le montage, mais quand on explore des éléments expressifs, il faut tenir compte des accidents, des choses qu’on ne peut pas défaire. Cette approche est similaire à la coloration de Blue in Green, les encres d’Anand se situent entre le figuratif et l’abstrait, la couleur agissant comme un mécanisme de contrôle pour définir, accentuer et travailler aux côtés des éléments expressifs. Une grande partie du travail de colorisation sur Blue in Green est réalisée avec des cartes de gradient pour ne pas perdre les encres tout en donnant une sensation d’unité aux pages et en transformant les valeurs tonales en quelque chose qui conserve un aspect pictural. J’essaie de garder mon approche technique de la bande dessinée aussi ouverte que possible à l’expansion, chaque récit a des besoins différents, des styles différents, des façons alternatives de communiquer plus que ce qui est simplement décrit dans le scénario. Ainsi, la colorisation sur Blue in Green était radicalement différente de la façon dont j’avais abordé la colorisation de mon propre travail jusque-là.

The Doors Morrison Hotel

Art

Quelles sont vos autres activités artistiques en dehors de la bande dessinée ?

J’ai une pratique créative diversifiée, qui couvre la bande dessinée, l’illustration, le dessin en direct, les peintures murales, les événements et l’enseignement. J’ai grandi avec le punk et le hardcore, en jouant dans des groupes et en produisant des disques, ce qui m’a donné une éthique fondamentale du bricolage qui s’est répandue dans ma pratique créative. J’ai toujours pensé que si une opportunité n’existe pas, alors il faut la créer. Si quelque chose n’existe pas, alors faites-le. Je n’ai jamais voulu me contenter de me positionner sur une seule chose, d’un point de vue créatif, et je suis donc toujours prêt à tester de nouvelles approches, de nouveaux supports et de nouvelles expériences. Si c’est quelque chose que je n’ai pas fait, je le fais. J’aime penser que cela ouvre beaucoup plus de portes et d’opportunités, tout en gardant ce que je fais frais et intéressant pour moi. L’aspect pédagogique est également un élément clé, non seulement pour partager mes connaissances avec les gens, mais aussi pour apprendre à leurs côtés. Voir des étudiants arriver avec cette soif d’art et cette passion créative me donne certainement l’inspiration nécessaire pour ne pas rester coincé dans une ornière et stagner.

Quelles sont vos influences artistiques ?

Elles sont en constante évolution, mais il y a un certain nombre de constantes. Le cinéma a toujours eu une influence énorme, avec Mario Bava, Dario Argento, David Lynch, Kenneth Anger, Ken Russell et Seijun Suzuki pour n’en citer que quelques-uns, qui ont eu une grande influence sur leur utilisation des cadres, des couleurs, de l’humeur et de l’émotion. Ma pratique des beaux-arts m’a permis de constater l’influence d’acteurs évidents comme Bacon, Schiele, Rauschenberg et de Kooning. Mais je me souviens que le travail de Ian Davenport a vraiment fait mouche, avec l’idée que le spectateur établisse un lien avec le mouvement de la peinture, ce qui me semblait être quelque chose que je pouvais comprendre bien plus que l’idée que la toile soit une arène dans laquelle on peut agir. Ce niveau plus profond de connexion du spectateur à travers le mouvement du médium est quelque chose auquel je pense beaucoup, et bien que mon travail soit passé à quelque chose de beaucoup plus figuratif, c’est une idée récurrente que je veux revisiter davantage. En termes de bande dessinée, je me souviens d’avoir repris Hellspawn à 16 ans et d’être tombé amoureux de l’art d’Ashley Wood, qui a été une inspiration constante (pour Blood Moon, nous avons vraiment regardé Automatic Kafka, parce que Bucky aime aussi cette série). Ash Wood a toujours été quelqu’un que je tiens en haute estime pour son utilisation de la communication expressive, et il est vraiement à l’aise dans son travail sur les médias mixtes. Sa trajectoire d’artiste est une autre chose que j’ai tendance à regarder de plus en plus au fil du temps, depuis son travail plus fortement influencé par McKean jusqu’à sa poussée d’un style graphique plus dépouillé. Ashley Wood a été pour moi une porte d’entrée dans cette approche expressive et expérimentale de la bande dessinée grand public américaine de la fin des années 80 : Bill Sienkiewicz, Dave McKean, Kent Williams, Jon J. Muth, George Pratt, Barron Storey, etc. Mais à l’inverse, les contemporains ont toujours une grande influence : Anand RK, Martin Simmonds, Lucy Sullivan, Caspar Wijngaard, Dani, Aaron Campbell, Jason Shawn Alexander sont tous des gens qui poussent le médium dans des directions différentes et qui, en voyant ce qu’ils font, ajoutent vraiment de l’énergie à mes propres feux créatifs.

Anthology Cover

La folie, l’horreur semblent être des sources d’inspiration pour votre travail. Est-ce que ce sont des genres que vous appréciez particulièrement ?

Je pense que lorsque vous travaillez dans un style expressif, le côté le plus sombre des choses est définitivement quelque chose vers lequel vous allez tendre. Je suis fasciné par le côté sombre de la nature humaine et de la condition humaine en général depuis longtemps. Enfant, je lisais Goosebumps, ce qui m’a très tôt rendu accro à l’horreur en tant que genre, mais c’est lorsque j’ai regardé pour la première fois Massacre à la tronçonneuse au Texas, à un jeune âge, que j’ai pris conscience de l’impact que pouvait avoir l’horreur. Je me souviens d’avoir vécu des montagnes russes d’émotions avec cette première expérience, et la fin abrupte m’a laissé bouche bée. La simplicité, la brutalité, la nature insensée, c’est quelque chose qui, avec chaque visionnage suivant, renforce pour moi le pouvoir que quelque chose peut avoir lorsqu’il engage activement le spectateur. Cela a toujours été un élément central de mes intérêts depuis lors, l’engagement actif avec la culture plutôt que la nature passive et évasive de la participation. L’horreur est un genre qui est là pour être provocateur et stimulant, et la façon dont un spectateur interagit avec l’horreur peut être très variée, ce que je trouve fascinant. Cela revient à l’idée de communication expressive avec un public. Comment peut-on illiciter une réponse, une réaction ou un sentiment d’un spectateur par l’utilisation d’un média ? Comment peut-on se connecter à quelque chose qui reste caché et intériorisé pour tant de gens ?

 

Autres questions

Quels sont vos projets actuels ou futurs ?

Je travaille avec Ram V sur une histoire courte « World Apocalypse Myths » dans l’anthologie « Razorblades » de James Tynion, qui est très amusant en ce moment. J’ai un chapitre dans le prochain roman graphique Morrison Hotel avec Leah Moore, qui célèbre l’anniversaire de l’album The Doors, explorant le tristement célèbre spectacle de Miami qui a conduit à l’arrestation de Jim Morrison pour exhibitionnisme. Je travaille également sur le prochain épisode de Blood Moon avec PM Buchan, ainsi que sur quelques autres projets de BD en cours dont je ne peux pas parler pour l’instant.

Candyman

Quelles sont les bandes dessinées que vous lisez actuellement ? Des coups de cœur ?

The Department of Truth, Home Sick Pilots, The Immortal Hulk, en gros tout ce que Brubaker et Phillips sortent Il y a de grandes choses de Lucy Sullivan (IND-XED, avec Fraser Campbell), les œuvres auto-publiées de Peony Gent, Spugna’s Fingerless….. la liste est sans fin. Je suis continuellement excité par les bandes dessinées, anciennes et nouvelles. Je m’imprègne à la fois d’œuvres actuelles qui me plaisent vraiment et d’œuvres plus anciennes de personnes comme Al Columbia, Rick Veitch et Junji Ito. Je n’en ai jamais assez.

Entretien réalisé par échange de mails. Merci à John Pearson pour sa disponibilité et sa gentillesse !


Second step of our discovery of the creative team of Blue in green: meeting with the British John Pearson, a multifaceted artist!

 

What was your path to become an artist?

I’ve always drawn from a young age. It was something I loved to do, and I seemed to have some element of natural creative ability. I ended up studying Fine Art at University, having become interested with ideas of communication through expressive mark marking and approaches to divergent creative practice. That University experience ended up being my main stumbling block though, I’d gone into it full of passion for creative expression and come out the other side feeling completely disillusioned, which led to me not creating anything for a number of years. It wasn’t until my late 20’s that I started to revisit drawing, remembering the childhood love I had for it, which led me down more of an illustration path than a Fine Art one. I started doing illustration work on the side of my day job, on evenings and weekends, until the illustration work ended up being the day job itself.

Over the last ten years of doing illustration, that original interest in divergent creative practice and expressive communication has returned as one of the main guiding factors of my work. I’m in a situation now where my creative output crosses a lot of different fields, including comics, illustration, murals, live art, events and education, which allows me to push and pull ideas from a number of different places.

 

Comics

Did you read comics when you were young?

I have two older brothers, so there were comics of one form or another around me a lot of the time growing up. When I was really young it was all DC Thomson publications, we had weekly subscriptions to The Beano and The Dandy, as well as copies of Commando floating around. A­­s I got a little older, I would read my brother’s Star Wars comics from Marvel UK. I can remember vividly being hypnotised by Bill Sienkiewicz’ cover art for the Return of the Jedi annual before I had any clue who he was, which I find pretty funny now looking back. It was when I was ten years old that I picked up my first copies of 2000 AD, just before Prog 900, and I was blown away. I was both enthralled and disgusted all at once, it was one of the most graphicly violent and sexualised things my young eyes had seen, which had a profound effect on me and my tastes at a formative time. From then onwards, I would read as many of the comics from the local library as I could, the darker the better. I read a lot of the 90s Aliens comics, Dredd, Preacher, Lobo, Sandman………anything that had some semblance of an anti-hero or alternative take on what up that point I’d thought comics were.

How did you come to work in comics?

I worked with writer Owen Michael Johnson on the self-published series Beast Wagon, which was the first time I’d done any comics work. We did 6 issues, which was the biggest learning curve I could’ve asked for in terms of understanding the craft of comics and figuring out my voice. During that time as well, I ended up doing art-assist work for Martin Simmonds on Death Sentence: London to help him speed up his workflow, which I learnt a LOT from. Seeing someone like Martin work, and with me being a factor of that process on Death Sentence, gave me a lot of insight as to how to approach the medium with influences that were not necessarily what many would call standard. Martin shares a lot of my own influences, and his approach is something that is continually evolving and pushing against what can be done.

I took that influence and knowledge and started to work with writer PM “Bucky” Buchan. Him and Martin were due to release a series called HERETICS through 44Flood / IDW, that sadly never came to fruition before Martin had to step back to focus on other projects. We tried to make it work with me taking over the main art duties, but after long delays the ship had already sailed on it for IDW. So, me and Bucky started our contemporary folk-horror Blood Moon. Bucky still wanted to explore folk horror, but after Heretics wanted to start something fresh. We’d done a short for Heavy Metal on their Megadeth: Death by Design book, and that same creative team of myself, Bucky, Aditya Bidikar (letters) and Hannah Means-Shannon (editor) started putting together Blood Moon. We did a limited print issue of the first part of the story, but then decided to start publishing it online as a webcomic. For me that was a great decision, it took away the pressure and overheads compared to us self-publishing print issues, and along with that came an element of creative freedom which has allowed us to test out a few different approaches and ideas. I think Ram picked up a copy of that first print preview at Thought Bubble Festival, and I can remember him chatting a little about the project that would become Blue in Green back then. It wasn’t until a fair few months later that I got brought onboard as colourist.

 

Blue in green

How did you come to work on Blue in Green?

I did a variant cover for Ram’s Image series Paradiso, which I think was our first encounter. Ram had spoken briefly about Blue in Green to me when we published the Blood Moon preview issue, with the visual approach I was playing with drawing some small parallels to what Ram was wanting to achieve with BinG. It wasn’t until a few months later that Ram got in touch about the colouring gig, after trying out a few other people and them seemingly not quite fitting smoothly with the artwork Anand was doing.

Your work with Anand RK is incredible. How did you work together?

The whole book was the epitome of collaborative practice, between all of us. Ram very much led the team with his vision, and that collaborative approach was infused into everything, especially what I was doing with Anand. I would get the inks from Anand, talk to Ram about colours as well as the narrative and mood on each page, then send them back to Anand who would give feedback, and then do finishes on the pages. I think the main element that made it work between me and Anand is the fact that I’m not a colourist, I’m more of a painter / artist. The approach to the book in terms of the artwork was a lot less stylised than what Anand and Ram did on Grafity’s Wall for example, and the colours needed to work sympathetically with Anand’s more expressive inks. Both Anand and Ram worked hard to establish a clear idea of not only the look, but the feel of each page, which made my job a little more structured because of their vision.

Technically, how do you work for comics?

In a broad sense, it’s a mixture of digital and traditional approaches, and the line between them is pretty thin. I’d previously work predominately digitally but try to achieve an analogue approach through scans and overlays, whereas now I’m starting to switch the process and use more traditional painting and collage techniques mixed with digital work. Working digitally is superb for workflows and editing, but when you’re exploring expressive elements you need to factor in the accidents, the things you can’t undo. This approach is similar with the colouring on BinG, Anand’s inks walk the line between figurative and abstract, with the colour acting as a control mechanism for defining, accentuating and working alongside the expressive elements. A lot of the colour work in BinG is done with gradient maps to allow the inks to not be lost while giving a unifying feel to the pages and turning the tonal values into something that retains a painterly feel. I try to keep my technical approach to comics as open to expansion as possible, each narrative has different needs of the art, different styles, alternative ways to communicate more than what is simply in the script. So, the colouring on BinG was drastically different to how I’d approached colouring my own work up to that point.

 

Art

What are your other artistic activities outside of comics?

I’ve got a diverse creative practice, spanning comics, illustration, live art, murals, events and teaching. I grew up with punk and hardcore, playing in bands and putting out records, which gave me a fundamental DIY ethos that’s spilled over into my creative practice. I’ve always been of the mindset that if an opportunity isn’t there, then create it. If something doesn’t exist, then make it. I’ve never wanted to just position myself in one thing, creatively speaking, so I’m always keen to test out new approaches, new mediums and new experiences. If it’s something I’ve not done, I’ll just go ahead and do it, I like to think it opens up a lot more doors and opportunities as well as keeping what I do fresh and interesting for myself. The teaching side of things is a key element to that as well, not only sharing my knowledge with people, but learning alongside them. Seeing students come through with that thirst for art and creative passion definitely keeps me inspired to not get stuck in a rut and stagnate.

What are your artistic influences?

They’re continually evolving, but there’re a number of constants. Cinema has always been a huge influence, with Mario Bava, Dario Argento, David Lynch, Kenneth Anger, Ken Russell and Seijun Suzuki to name a few being hugely influential in their use of framing, colour, mood and emotion. From my Fine Art practice there was a lot of influence from the obvious players like Bacon, Schiele, Rauschenberg and de Kooning. But I can remember the work of Ian Davenport really hitting a note, with the idea of the viewer making a connection with the movement of the paint, which felt like something I could relate to far more than the idea of the canvas being an arena in which to act. That deeper level of viewer connection through the movement of the medium is something I think about a lot, and whilst my work has gone to something far more figurative, it’s a recurring idea that I want to revisit more. In terms of comics, I can remember picking up Hellspawn when I was 16 and falling in love with Ashley Wood’s art, who has been an ongoing inspiration (For Blood Moon we really looked at Automatic Kafka, because Bucky loves that series as well). Ash Wood has always been someone I hold in high regard for his use of expressive communication, and he really hits home with his mixed media work. His trajectory as an artist is something else that I tend to look at more and more over time, from his more heavily McKean-influenced work through to his pushing of a more stripped back graphical style. Ashley Wood was a gateway into that late 80’s expressive and experimental approach to US mainstream comics for me: Bill Sienkiewicz, Dave McKean, Kent Williams, Jon J. Muth, George Pratt, Barron Storey and so on. On the flipside of that though, contemporaries are always a huge influence: Anand RK, Martin Simmonds, Lucy Sullivan, Caspar Wijngaard, Dani, Aaron Campbell, Jason Shawn Alexander are all people who are pushing the medium in different directions and seeing what they do really adds fuel to my own creative fires.

Madness, horror seem to be inspirations for your work. Are these genres that you particularly appreciate?

I think when you’re working in an expressive style then the darker side of things is definitely something you will lean towards. I’ve been fascinated with the darker side of human nature and the wider human condition for a long time. I would read Goosebumps as a kid which got me hooked early on with horror as a genre, but it was when I first watch The Texas Chainsaw Massacre at a young age that I had that realisation of the impact horror could have. I can remember having a rollercoaster of emotions with that first watch, and the abrupt ending just leaving me in awe. The simplicity, the brutality, the senseless nature, it’s something that with every subsequent watch for me reinforces the power something can have when it actively engages the viewer. This has formed a core element of my interests ever since, the active engagement with culture rather than passive, escapist nature of participation. Horror is a genre that is there to be provocative and stimulating, and how a viewer interacts with horror can be wide ranging, which I find fascinating. It goes back again to the idea of expressive communication with an audience, how can you illicit a response, a reaction, or a feeling from a viewer through the use of a medium? How can you connect with something that remains hidden and internalised with so many people?

 

Other questions

What are your current or future projects?

I’m working with Ram V on our World Apocalypse Myths shorts in James Tynion’s Razorblades anthology, which is a lot of fun at the moment. I’ve got a chapter in the upcoming Morrison Hotel graphic novel with Leah Moore, celebrating the anniversary of The Doors album, exploring the infamous Miami show which lead to Jim Morrison’s arrest for alleged indecent exposure. I’m working on the next instalment of Blood Moon as well with PM Buchan, plus as a few other comics projects in the works that I can’t talk about right now.

What comics are you reading right now? Do you have any favorites?

The Department of Truth, Home Sick Pilots, The Immortal Hulk, basically everything that Brubaker and Phillips are putting out. There are great things from Lucy Sullivan (IND-XED, with Fraser Campbell), Peony Gent’s self-published works, Spugna’s Fingerless…..the list is never ending. I’m continually excited at the minute with comics both old and new. I’m finding myself simultaneously soaking up current works that are really hitting the mark with me, and deep-diving older works from people like Al Columbia, Rick Veitch and Junji Ito. I can’t get enough.

Interview made by email exchange. Thanks to John Pearson for his availability and his kindness.